Esta es una serie que se está lentamente generando.
Si quieres leer los ensayos anteriores, al final de esta nota encuentras el índice.

Si seguimos explorando la anatomía de la práctica de fotografía arteterapéutica el siguiente paso es el cuerpo:

El cuerpo sostiene la práctica.

Sin cuerpo presente no hay práctica. Podemos decir que hay disparo, imágenes resultantes, pero no práctica.

El cuerpo interviene en la fotografía arteterapéutica (a partir de ahora FAT) de formas que a veces no registramos conscientemente porque forman parte de algo tan integrado que parece automático. Pero no lo es. Es una secuencia somática que, cuando está presente, organiza todo lo demás.

Primero el movimiento más inicial. Caminar, dirigirse, desplazarnos hacia algo o algún lugar. Luego el movimiento más concentrado: los brazos, los dedos, la cabeza, los ojos y la respiración. Sostener la cámara activa el cuerpo como sistema.

En mi propia práctica reconozco una secuencia que se repite: enraizarme en los pies, alargar la columna, bajar los hombros. Agarrar la cámara, siempre con amor. El abdomen también se activa buscando firmeza, solidez y la respiración se detiene por un segundo en el momento del disparo. El cuerpo se convierte en una especie de trípode con vida.

A eso se suma la flexibilidad y el dinamismo: subir, bajar, explorar ángulos, acercarse, alejarse. El cuerpo en movimiento constante al servicio de la mirada.

Pero hay algo más que me parece esencial: el cuerpo como mapa, como guía y como aviso. Porque muchas de las fotografías que hago no nacen de un pensamiento sino de una sensación, generalmente en la panza, que entiendo como señal para hacer el registro. Yo lo llamo intuición. La mayoría de las fotos que empiezan desde esa pura llamada de atención terminan siendo piezas clave de mi historia.

Y no imagino la práctica sin el cuerpo, porque si no está, no está el corazón. Y sin corazón no puedo entender la práctica.

El cuerpo en los distintos momentos del proceso

El cuerpo no participa de la misma forma en todos los pasos de la FAT. En algunos tiene un rol activo, en otros uno distinto, pero siempre está.

Cuando generamos imágenes el cuerpo está al mando. Es presencia plena, movimiento y decisión física antes que mental.

Pero cuando editamos, por ejemplo, el cuerpo sigue muy presente pero desde otro lugar. Más disponible que activo. Abierto sensorialmente, despierto, funcionando también desde la intuición como guía en las decisiones de selección. En las conversaciones que se abren con las imágenes el cuerpo es un elemento clave porque a través de él también podemos leer mensajes.

Cuando revisamos el archivo el cuerpo entra en modo memoria sensorial. Todo lo que una imagen contiene a nivel de recuerdo se despierta de forma sensible. Y ocurre algo muy interesante: al recordar y sentir se produce una suerte de actualización inconsciente. La imagen del pasado convive con el presente. ¿Qué me hace sentir y pensar esta imagen ahora? Esa pregunta, que muchas veces ni siquiera se formula, activa un efecto integrador donde el recuerdo puede ser hilado, procesado, entendido, reivindicado.

A nivel neurológico esto ocurre porque las imágenes activan simultáneamente la amígdala, donde se procesan los recuerdos emocionales, y la corteza prefrontal, que puede observar y dar sentido. Cuando las dos trabajan juntas en un estado de calma y presencia, algo se integra.

Bessel van der Kolk explica que el trauma no se procesa verbalmente sino sensorialmente.

La imagen puede acceder a capas que la palabra no alcanza porque habla el mismo idioma que el cuerpo.

Lo que tiene la fotografía de somático

La fotografía es única porque combina tres cosas simultáneamente: movimiento corporal real, decisión visual consciente y registro material del momento.

Cuando disparás, el cuerpo literalmente se detiene un instante. La respiración se suspende. Y ese micro momento de quietud es en sí mismo regulador. Un ancla instantánea al presente.

Y la imagen que resulta es una huella, un rastro material de ese momento somático. Por eso cuando volvés a ella, el cuerpo la reconoce, porque estuvo ahí. Y eso es mágico.

El cuerpo como archivo

Este último año me he formado en trauma, primero desde el yoga y actualmente desde el arteterapia y las artes expresivas. Ha sido una capa que dio y sigue dando muchísima claridad sobre el efecto de la FAT, algo que vengo practicando hace más de veinte años pero que recién ahora puedo ordenar, nombrar y reivindicar como metodología.

Si entendemos el cuerpo como archivo, como territorio que acumula, sedimenta y porta memoria sin que la mente siempre lo sepa, entonces podemos imaginar todas las implicancias que tiene el cuerpo en el proceso de la FAT.

El cuerpo muchas veces tiene la información que buscamos y necesitamos. La FAT puede ser una forma de acceder a ella, de manera sensible, creativa y expresiva.

Índice

Anatomía de la práctica fotográfica arteterapéutica — I. El Ritmo
Anatomía de la práctica fotográfica arteterapéutica — II. El ritmo, parte II
Anatomía de la práctica fotográfica arteterapéutica — III. La atención

Esta es una serie que se está lentamente generando.
Si quieres leer los ensayos anteriores, al final de esta nota encuentras el índice.

Si seguimos explorando la anatomía de la práctica de fotografía arteterapéutica el siguiente paso es la atención:

La atención es el ancla de la práctica.

Y no sólo como metáfora, también como función real. Cuando el sistema nervioso está en modo amenaza, la atención se fragmenta, se activa y no para de escanear en busca de peligro. La cámara sostiene haciendo algo muy concreto: traer calma.

Hay un momento específico en que esto ocurre. Cuando levantamos la cámara y miramos a través de ella: el cuerpo se posiciona, los brazos sostienen, el ojo enfoca. La respiración se transforma. El ojo y el corazón se alinean

Según la neurociencia lo que sucede mientras disparamos una foto no es tan simple como parece. A nivel neurológico la atención visual sostenida activa la corteza prefrontal, que es exactamente la zona que el estado de amenaza desconecta. Cuando decidimos qué encuadrar, qué entra y qué queda fuera, estamos devolviéndonos algo que el trauma nos quita: la sensación de poder elegir. La agencia vuelve por la mirilla de nuestra cámara.

Esta es la primera forma de atención: la atención encarnada. El cuerpo lidera, la mente acompaña. La presencia es total y ocurre en el aquí y ahora.

Pero hay una segunda.

Cuando revisamos el archivo, el cuerpo cambia de rol. Ya no lidera, sino que acompaña. Lo que ocurre es más sutil: la memoria sensorial se activa, y aunque podemos sentir cosas muy profundas e intensas, es por acción del recuerdo, no por que esté sucediendo literalmente en el momento.

Y aquí aparece algo que la fotografía tiene y que otras formas de registro no: una imagen vista al día siguiente dice algo, pero la misma imagen vista un año después dice otra cosa. No cambió la imagen, cambiamos nosotras.

La fotografía nos permite viajar. Abrir una y mil conversaciones con la misma imagen, dependiendo de cuándo se evoque. Es como bucear por las capas que ha dejado el tiempo, buscando en las profundidades de lo sensorial algo que antes no estaba disponible.

Eso es la permanencia de la imagen. No como algo estático sino como un territorio vivo que nos sigue hablando mucho después de haber sido creado.

Por eso la atención en la práctica fotográfica arteterapéutica no es algo aislado sino que es un sistema. Encarnada cuando miramos-sentimos-disparamos. Reflexiva cuando revisamos y profunda cuando materializamos. En este caso el cuerpo vuelve, pero desde otro lugar, más activo aunque también más sutil.

Índice

Anatomía de la práctica fotográfica arteterapéutica — I. El Ritmo
Anatomía de la práctica fotográfica arteterapéutica — II. El ritmo, parte II
Anatomía de la práctica fotográfica arteterapéutica — III. La atención

Si quieres leer la primera parte sobre el ritmo la encuentras acá.

Cuando entendí la importancia del ritmo ya nunca más pude dejar de observarlo e investigarlo. El ritmo no es una preferencia personal, es la condición que hace que una práctica sea nutritiva y no drenante.

En la nota anterior comenzamos a conversar sobre la importancia de conocer el ritmo propio de nuestra práctica. Entre lo que te contaba, traigo estas notas para recordar e hilar:

• Un ritmo sano es orgánico, no se fuerza. No responde al ruido del afuera ni se deja arrastrar por la autoexigencia. Un ritmo sano cuida al mismo tiempo del ruido interno, lo escucha, lo acompaña. No intenta silenciarlo, pero sí regularlo para que no se desborde.

• Sin ritmo no hay mirada profunda porque mirar necesita tiempo, presencia y pausa.

• El ritmo se construye en colaboración con nuestro entorno y momento vital.

El ritmo no es una sola cosa, sino un conjunto de capas que abren distintas dimensiones dentro de la práctica:

En la nota anterior hablamos de aceleración orgánica vs. aceleración reactiva. Y hoy vuelvo a ella porque esta distinción nos permite ver al ritmo como un posible mapa: cuando habitamos el ritmo desde esta dimensión, lo que hacemos es observarlo, entender su origen y su razón de ser.

Esta dimensión nos habla del deseo, de la intención, de cómo diferenciar cuándo algo brota o cuándo algo nos empuja. Esto, además, está muy conectado con nuestro cuerpo y con nuestra energía vital: si la aceleración es orgánica lo sentiremos como una potencia natural, pero si es reactiva, la práctica perderá sentido y terminará drenándonos.

La segunda dimensión del ritmo tiene que ver con la forma en que nos relacionamos con la práctica.

Cuando el ritmo está cuidado, la práctica se convierte en un espacio que podemos habitar. Y esto se vuelve especialmente claro en los momentos en que perdemos fluidez: cuando no sabemos qué fotografiar, cuando no estamos inspirados o sentimos que algo no avanza.

En esos momentos es fácil interpretar lo que pasa como un bloqueo o pensar que algo está mal: esto no es para mí, me falta talento, necesito formarme más… Pero muchas veces lo que realmente está pasando es que todo eso que nos incomoda es simplemente parte del propio proceso. El ritmo nos invita entonces a hacer algo simple, pero por momentos desafiante: pausar y observar.

Pausar la mente y el autodiagnóstico creativo. Observar qué está pasando, si hay algo que revisar, activar o quizá simplemente dar más tiempo. Observar sin exigencia, tratando de leer el ritmo propio y aprendiendo a acompañarlo. Dejándole el tiempo y el espacio que necesite.

Cuando escuchamos el ritmo de esta manera, empezamos a relacionarnos con la práctica desde un lugar más compasivo y nutritivo. El ritmo se convierte así en una forma de acompañar el proceso creativo sin violentarlo.

Con el tiempo también descubrí que el ritmo nos ayuda a reconocer en qué momento del proceso estamos. Y esto me parece algo esencial, porque la práctica creativa no es lineal, más bien todo lo contrario.

Me gusta mucho pensar en la metáfora del huerto porque siento que describe muy bien lo que ocurre. En la práctica hay momentos de siembra, momentos de crecimiento y momentos de pausa. Y si no los respetamos, tarde o temprano lo veremos reflejado. En el huerto también hay momentos de limpieza, de dejar ir lo que ya cumplió su ciclo para que algo nuevo pueda aparecer.

En la práctica fotográfica estos ciclos se vuelven muy claros cuando empezamos a observarlos. Hay momentos muy fluidos, como cuando sentimos el impulso de salir a fotografiar y llevamos la cámara con nosotras a todas partes. Otros en los que queremos compartir: editamos rápido, publicamos, maquetamos, enviamos.

Y también hay momentos en los que simplemente guardamos la cámara en el cajón sin fecha prevista de salida. O momentos en los que necesitamos detenernos, mirar con calma y tomarnos el tiempo para procesar lo que hemos hecho o no.

Cuando entendemos esto, dejamos de luchar contra el proceso. Comprendemos que no todo momento está hecho para producir. Y ya no nos asusta que pasen meses sin hacer una foto o que tengamos dos carretes sin revelar esperando desde hace tiempo en la nevera.

El ritmo nos orienta. Nos ayuda a reconocer cuándo es tiempo de crear, cuándo es tiempo de pausar y cuándo es tiempo de procesar e integrar lo vivido.

Confirmo entonces que el ritmo no es una sola cosa. Es un tejido de dimensiones que se entrelazan y que, cuando aprendemos a escucharlas, pueden ser sostén y guía. Una especie de brújula silenciosa dentro de la práctica.

Aquí encontrarás el índice de esta serie de elementos que se irá construyendo poco a poco.

Anatomía de la práctica fotográfica arteterapéutica — I. El Ritmo
Anatomía de la práctica fotográfica arteterapéutica — II. El ritmo, parte II

Durante mucho tiempo pensé que la práctica fotográfica empezaba con el disparo, pero luego, profundizando un poco, pensé que era en la mirada. Hoy, una vida de disparar y mirar más tarde, entiendo que es antes: la fotografía comienza con el ritmo.

El ritmo no tiene que ver con producir más o menos, sino con cómo se sostiene la práctica en el tiempo y en el cuerpo.

Un ritmo sano es orgánico, no se fuerza. No responde al ruido del afuera ni se deja arrastrar por la autoexigencia. Un ritmo sano cuida al mismo tiempo del ruido interno, lo escucha, lo acompaña. No intenta silenciarlo, pero sí regularlo para que no se desborde.

Aprender sobre nuestro propio ritmo, escucharlo y acompañarlo, es esencial para que la práctica no se desvirtue ni acelere. Si esto sucede, pueden pasar dos cosas. Puede ser una aceleración orgánica, como cuando algo quiere brotar y la energía se intensifica naturalmente. O puede ser una aceleración reactiva, producto del deseo de contentar, de estar a la altura, de producir. Esa aceleración nos drena; y cuando nos drenamos, la práctica pierde el sentido.

El ritmo es sentido.

Así podemos verlo también en la naturaleza. En los cambios importantes de estación como invierno a primavera, verano a otoño, es fundamental saber cuándo sembrar y cuándo arrancar. Porque en el huerto, igual que en la práctica, no todo es plantar y ver crecer, también hay momentos de destrucción en los que hacerlo es parte del cuidado. Arrancar lo que ya dio (o no) fruto permite que haya espacio para algo nuevo.

Y además, sin ritmo no hay mirada profunda. Porque la mirada necesita tiempo, necesita presencia y necesita pausa. Cuando miramos observando y sintiendo, la experiencia cambia, se vuelve más vívida y más nutritiva.

Y poder entender el ritmo lleva su tiempo.

Creo que de hecho es parte de la complejidad del asunto. Y curiosamente pasa lo mismo en el huerto: podemos tener muchísima experiencia en un jardín que si cambiamos a uno nuevo será practicamente empezar de cero. Porque no se trata solo de mi experiencia, hay que construir un vínculo nuevo. Y en ese sentido, el ritmo es también un desconocido que ser irá construyendo en colaboración. En la práctica personal el ritmo está vinculado con el momento vital, con la energía, con la inspiración, con otras cosas sutiles que a veces cuesta más entender y conocer en detalle.

Cuando logramos ese acercamiento y autoconocimiento comenzamos a entendernos mejor y ver qué tempo llevamos.

En mi propia práctica, por ejemplo, recién ahora soy capaz de ver con claridad dónde y cuándo necesito reposo o necesito acción. Es un trabajo que necesariamente hago desde la observación y desde la intuición, el juego y la exploración. Desde ese método creo.

Y cuando llega la edición, que es la parte más emocional y terapéutica de todo mi proceso, se con claridad que el ritmo hará un cambio radical y me llevará al adentro total. Aquí es donde ordeno las narrativas, a veces incluso inconscientemente; donde me entiendo y ato cabos. Por eso ahora, al entender mi ritmo, le doy todo el espacio que necesita. Aunque me tome meses.

Por último llega el paso de materializar y compartir, que es el que más me cuesta, aunque cuando llega trae plenitud y mucha gratitud por haber sostenido y dado cierre al proceso creativo.

Tal vez el ritmo no sea otra cosa que aprender a escuchar en qué parte del proceso estamos y respetarla, nutrirla y acompañarla.
Ah, y también disfrutarla : )

Anatomía de la práctica fotográfica arteterapéutica — I. El Ritmo.